1.- Matisse y el collage. Ver.
2.- Un ejemplo de trabajo desde . Ver
3.- Otro ejemplo de trabajo. Ver
sábado, 6 de diciembre de 2025
jueves, 27 de noviembre de 2025
Geometría en arte y arquitectura. Vídeos e interesantes reflexiones.
GEOMETRÍA EN EL ARTE. Ver vídeo.
LA GEOMETRÍA EN EL MUDÉJAR. Ver vídeo.
Reflexión: Arte y Geometría
1.- Después de ver el vídeo explicativo. Rellena los huecos del texto sobre “El arte Mudéjar” con los siguientes términos:
Yeserías. Geométricos. Cristianos. Reconquista. Musulmanes. Permitidas. Friso. Ladrillo. Cerámica. Decorativa. Geométricos.
El arte MUDEJAR es un estilo artístico que fusiona elementos ______________ e _______________, desarrollado en la Península Ibérica entre los siglos XII y XVI. Surgió de la convivencia entre las comunidades cristianas y musulmanas durante la _____________, adaptando técnicas y decoraciones islámicas a construcciones cristianas.
Es un arte muy decorativo que usa yeserías, mosaicos, arcos… con bellas combinaciones de elementos _______________________. Pintura y escultura se desarrollan menos que arquitectura porque las representaciones humanas no estaban _____________________. En su lugar se usan patrones ________________.
En el arte mudéjar, un ____________ es una franja horizontal______________ que utiliza materiales y técnicas de tradición islámica, como el ___________, la ___________ o las _________, para ornamentar superficies arquitectónicas.
2.- Responde verdadero (v) o falso (F).
___ La cultura musulmana no era muy avanzada en la E. Media: desconocen las matemáticas, la geometría, la medicina…
___ Los artistas y pensadores musulmanes destacaban en poesía y música.
___ En la cultura musulmana predomina la arquitectura sobre el resto de las artes.
___ Todos los arcos representado en la imagen son usados en arte islámico.
jueves, 20 de noviembre de 2025
Saber más sobre el IMPRESIONISMO
1.- Historia, técnica y máximos representantes:
2.- Sobre la pincelada impresionista. Ver vídeo.
3.- Técnica impresionista: Ver vídeo
sábado, 15 de noviembre de 2025
Reflexiones en torno al color
Indica en la parte superior del folio que te ha facilitado la profesora tu nombre y grupo.
Atención: Pon el número de la pregunta y desarrolla tu respuesta . Argumenta tus repuesta y explícalas de modo conciso y ordenado.
1.- ¿A qué época crees que corresponde esta imagen? Explica el posible origen de los pigmentos y la relación con la limitada paleta cromática.
2.- Explica las coincidencias tanto sobre el tema - motivo representado- como respecto al uso del color que comparten estas dos obras. ¿Puedes explicar el porqué?
3.- Describe la siguiente imagen desde los siguientes puntos de vista:
Descripción de la escena
color usado
tratamiento de la luz
¿Qué crees que ha querido transmitir el autor?
¿A qué disciplina o técnica artística corresponde? Propón otro campo artístico al que podría aplicarse este tipo de imágenes y un título a la obra.
4.- Elige una de estas dos imágenes e inventa, basándote en ella, una campaña publicitaria con un motivo escolar. Explica el slogan que acompañaría la imagen y el motivo de la campaña.
6.- Imagina que debes explicar a un/a alumno/ de 1º de ESO cómo has elaborado tu cubo de Charpentier. Explica ordenación del color en los vértices del cubo, como se "degradan" los tonos en cada cara, da consejos sobre el uso de la técnica de la témpera de del montaje del mismo.
7.- Observa el siguiente fotograma y la pintura en la que se inspira. Si la película habla de la biografía de un artista, ¿podrías decir en qué personalidad está basada la historia? Cromáticamente, enumera al menos tres coincidencias.
8.- Intenta definir los siguientes términos:
monocromático:
armonía cromática o colores análogos:
Tonos complementarios:
Triada tonal:
sábado, 27 de septiembre de 2025
Óvalos, ovoides, espirales y.... PASATÉCNICOS (ejercicios de aplicación de contenidos trabajados):
Óvalos, ovoides, espirales y.... PASATÉCNICOS (ejercicios de aplicación de contenidos trabajados):
Vamos a realizar 6 ejercicios sobre curvas técnicas. Los vamos a realizar en lámina o folio e irán dos por cada lámina (2 sobre óvalos, 2 sobre ovoides y finalizaremos con 2 espirales).
LÁMINA 1: ÓVALOS
1.- Trazado de un óvalo conocido el eje mayor. Ver.
Datos de partida: colocar centrado en la lámina un segmento HORIZONTAL de 70 mm.
IMPORTANTE: Aplicaremos el Teorema de Tales para dividir el segmento en partes iguales. Ver vídeo.
2.- Trazado de un óvalo conocido el eje menor. Ver.
Datos de partida: colocar centrado en la lámina un segmento VERTICAL de 50 mm.
LÁMINA 2: OVOIDES
1.- Trazado de un ovoide conociendo el eje mayor. Ver.
Datos de partida: colocar centrado en la lámina un segmento VERTICAL de 60 mm.
2.- Trazado de un ovoide conocido el eje menor. Ver.
Datos de partida: colocar centrado en la lámina un segmento VERTICAL de 50 mm.
LÁMINA 3: ESPIRALES
1.- Trazado de una espiral de dos centros. Ver.
Datos de partida: colocar centrado en la lámina una recta horizontal y señalar en el centro de la misma dos puntos (1 y 2) que disten 20 mm.
2.- Trazado de una espiral de tres centros. Ver.
Datos de partida: construir en el centro de la lámina un triángulo equilátero de 15 mm de lado y prolongar sus lados siguiendo el ejemplo.
Sobre polígonos regulares. Tutoriales que resulven dudas.
VIDEO TUTORIALES RECOMENDADOS:
POLÍGONOS REGULARES CONOCIDA LA LONGITUD DEL LADO
Trazado del triángulo equilátero conocido el lado. Ver vídeo.
Trazado del cuadrado conocido el lado. Ver vídeo.
Trazado del pentágono conocido el lado. Ver vídeo.
Trazado el hexágono* conocido el lado. Ver vídeo.
Trazado el heptágono conocido el lado. Ver vídeo.
Trazado el octógono conocido el lado. Ver vídeo.
POLÍGONOS REGULARES INSCRITOS EN LA CIRCUNFERENCIA
Trazado del TRIÁNGULO inscrito en la circunferencia. Ver vídeo.
Trazado del CUADRADO inscrito en la circunferencia. Ver vídeo.
Trazado del PENTÁGONO inscrito en la circunferencia. Ver vídeo.
Trazado del HEXÁGONO inscrito en la circunferencia. Ver vídeo.
*El radio de una circunferencia divide a ésta en 6 partes iguales.
También puedes construirlo siguiendo el método del triángulo: Ver vídeo
Trazado del HEPTÁGONO inscrito en la circunferencia. Ver vídeo.
Trazado del OCTÓGONO inscrito en la circunferencia. Ver vídeo.
lunes, 15 de septiembre de 2025
EL CIRCO DE LAS MARIPOSAS. Reflexiones.
EL CIRCO DE LAS MARIPOSAS. Reflexiones:
1.- ¿Qué diferencias existen entre los “aristas” del circo 1 y 2?
¿Cómo reacciona el público en uno y otro circo?
¿Qué actitud tienen los dos empresarios ante la vida y ante los “artistas”?
¿Cuál es el acontecimiento que desencadena el cambio de Willy?
¿Cuáles son sus consecuencias?
3.- Lee las siguientes cuestiones y elabora respuestas mentales que te ayuden a reflexionar sobre una cuestión que plantearemos más adelante:
*Recuerda al niño que tiene una oruga en un bote.
*¿Por qué tienen tanta importancia las mariposas en la historia?
*¿Qué relación tiene las mariposas para formar parte del Título del vídeo?
*¿Cómo era el pasado de cada artista del circo de las mariposas?
*¿Qué crees que representa la imagen en la que el niño libera la mariposa del frasco?
CUESTIÓN A RESOLVER ENTRE TODOS: ¿CREES QUE HAY ALGUNA METÁFORA EN LA HISTORIA QUE ACABAMOS DE VER?
lunes, 2 de junio de 2025
El módulo y la red modular
Redes modulares
Una red modular es una estructura en la que se relacionan una serie de figuras iguales o semejantes. Esta estructura, generalmente geométrica, es como una malla ,de formas triangular, rectangular o derivadas, que cubren toda la superficie de la obra.
En el siguente caso el módulo es la figura de un pez. Este módulo se repite creando una relación entre los distintos peces y siguiendo el patrón que establece la red modular.
Creación del módulo.
Como ya vimos, el módulo es la figura que se repite y relaciona con otras semejantes o iguales en una estructura modular. De este modo, utilizando un modulo sobre una red modular, obtendremos una composición modular.
Tipos de Redes Modulares.
En función de su complejidad, podemos clasificar las composiciones modulares en dos tipos:
La redes modulares simples
Son redes modulares que se forman por la repetición de una sola figura, normalmente geométrica (triángulo, rectángulo, hexágono,…).
El nivel de complejidad de un módulo puede ser muy variable. En algunas ocasiones nos resultará fácil de distinguir, pero en otras nos será complicado aislar su forma y percibir su repetición.
https://educacionplasticayvisual.com/lenguajes-visuales/estructuras-modulares/
Movimientos en la red modular.
Un módulo puede ser usado en distintas posiciones dentro de una red modular con el objetivo de dar dinamismo y movimiento al ritmo de la composición. Entre los más usuales están el giro, el desplazamiento y la simetría. Esto puede dar como resultado lo que se conoce como supermódulo; una figura más compleja, pero que tiene más atracción visual y por lo tanto nos resulta más fácil visualizarla y aislarla como forma independiente.
Si aplicamos distintos tipos de movimientos obtenemos distintos resultados visuales pese a partir de un mismo módulo inicial. Veamos algunos ejemplos de movimientos con el siguiente modulo:
Traslación del módulo.
En el movimiento de traslación repetimos el mismo módulo uno junto al anterior.
El resultado general de la red modular sería el siguiente.
Giro del módulo.
En este caso vamos a repetir el módulo en grupos de 4 y girando 90º cada uno respecto al anterior siguiendo el sentido de las agujas del reloj.
Veamos ahora el resultado de repetir esta secuencia en una red modular.
Simetría del módulo.
En este caso repetimos el módulo de forma simétrica respecto a un eje situado en el punto de unión de los módulos.
En este caso concreto, el resultado sería igual al de aplicar un giro de 180º, pero no siempre puede ser así. Veamos el resultado de este movimiento de simetría en una red modular más amplia.
Anomalías.
Las anomalías se dan cuando existe una variación o desviación, en la estructura o en el modulo, dentro de una composición modular que en esencia es regular. Se crean para romper la monotonía y captar la atención.
Composiciones Modulares Basadas en la Circunferencia.
No existen redes modulares basadas en la circunferencia. Esto se debe a que las circunferencias, por su forma curva, no pueden compactarse unas a otras como lo pueden hacer otras formas rectilíneas. No obstante, si se pueden emplear inscribiéndolas en otras estructuras poligonales. Estos módulos pueden dar lugar a distintas relaciones entre las formas circulares: distanciamiento, toque, unión, sustracción o intersección.
Los entrelazados son un caso especial de intersecciones en los que, con el objetivo de crear una sensación de superposición y profundidad, se obtiene el módulo eliminando y conservando determinadas líneas.
Tridimensionalidad.
Con las composiciones modulares se pueden crear sensaciones de tridimensionalidad.
Transformación del Módulo.
En las composiciones modulares existe también la posibilidad de modificar progresivamente la forma del módulo respetando la estructura básica de la red modular.
Para saber más:
https://historia-arte.com/artistas/m-c-eschersábado, 29 de marzo de 2025
Las FORMAS en el arte y en el entorno
Las formas geométricas son figuras matemáticas que están presentes en el arte y en el entorno. En el arte, son una herramienta para componer obras y transmitir ideas. En el entorno, se pueden encontrar en la naturaleza, en la arquitectura y en otras disciplinas artísticas.
En el arte
- Las formas geométricas pueden ser la base de una composición artística.
- Por ejemplo, un artista puede usar un triángulo para transmitir estabilidad o un círculo para transmitir movimiento.
- Tanto la composición en arte figurativo como en arte abstracto geométrico se basa en formas geométricas.
Mira con atención este resumen de esquemas geométricos simples.
Con qué esquema compositivo asociarías esta obra de Kandinsky:
¿Y esta de Francisco de Goya?
- Los artistas han usado la geometría para estudiar los cuerpos y las formas, lo que dio lugar a la perspectiva y al escorzo.
Mira estas imágenes e intenta definir qué es un "escorzo":
En el mundo del arte, el dibujo de la figura humana es una habilidad esencial para los artistas que buscan plasmar la belleza y la complejidad del cuerpo humano en su obra. En este sentido, el escorzo se convierte en una técnica fundamental para lograr una representación realista de la figura humana en perspectiva. A través de la utilización de formas geométricas básicas y referencias precisas, el escorzo permite a los artistas crear dibujos que parecen cobrar vida propia.
- En el entorno:
- Las formas geométricas se pueden encontrar en la naturaleza, como en los triángulos, cuadrados, polígonos regulares, cubos o espirales.
- En la arquitectura, como hemos visto, se pueden encontrar en templos y monumentos.
- En la vida cotidiana, se pueden encontrar en los cajones de un mueble, en las porterías de las canchas de fútbol, en los bancos, en las tuberías, en las ruedas de las motos, en las vidrieras de las ventanas, etc.
lunes, 3 de febrero de 2025
VANGUARDIAS HISTÓRICAS
VANGUARDIAS ARTÍSTICAS
INTRODUCCIÓN
Entre las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del siglo XX, en casi todos los países con un cierto grado de desarrollo industrial se puso de manifiesto un sentido del presente y un ansia de romper con los estilos del pasado. Fue un momento agitado y complejo, en el que la búsqueda de lo nuevo convivía con la permanencia del pasado: rechazo de la máquina y aceptación de nuevas tecnologías ( que exploraban o anticipaban el futuro), agitación social y anarquismo a la par que consolidación de los valores de la cultura burguesa, además la crisis arte-sociedad se evidencia siendo la característica que conlleva la vanguardia. Se conoce como vanguardias históricas a los estilos artísticos que aparecieron en la primera mitad del siglo XX.
La habitación roja o Armonía en Rojo, Henry Matisse. 1908
Su propuesta rupturistas fue tan radical que más de un siglo después siguen siendo el paradigma del arte de vanguardia, dado que en la época se produce en el arte una auténtica revolución de las artes plástica. Escultura y pintura, participan de los mismos supuestos. Los movimientos vanguardistas son más una actitud ante el arte que una estética, que abandonará la imitación de la naturaleza para centrase en el lenguaje de las formas y los colores. Es la hegemonía del inconsciente, de la reconstrucción mental de la obra. Al espectador se le exige una nueva actitud ante la obra de arte. Los estilos dejan de ser internacionales para ser característicos de un grupo de artistas. Se da una libertad cromática, formal, conceptual, exploración de materiales...
CONCEPTO DE VANGUARDIA
El término vanguardia ha sido uno de los más utilizados para el desarrollo del arte en el siglo XX, sea para definir posturas ante el arte y su papel en la sociedad, sea para ordenar el estudio de la historia del mismo siglo. Convirtiéndose así en un fenómeno nuevo respecto a otros periodos de la historia, importante para comprender el arte de nuestra época, y solo en ésta aparecen expresiones como: Arquitectura de vanguardia, música de vanguardia, cine de vanguardia, etc.
El término es de origen medieval y se usaba en el lenguaje militar. Ya en el siglo XIX empezó a ser utilizado en sentido figurado con relación al arte y, en el XX constituye un termino clave para el mundo del arte. Tomando literalmente el término implica la idea de lucha, de combate, de pequeños grupos destacados del cuerpo mayoritario que avanza, que se sitúan por delante.
Efectivamente, la vanguardia artística se manifestó, como acción de grupo reducido, como élite que se enfrentaba a situaciones más o menos establecidas y aceptadas por la mayoría. Estas tendencias se enfrentaron al orden establecido, a los criterios asumidos por las clases altas económicas e intelectuales hablando con ánimo de ruptura. Fueron en ocasiones y con sus particularidades, movimientos agresivos y provocadores. La incomprensión inicial y la posterior aceptación justifican su papel anticipador del futuro.
Desde un principio estos serían los aspectos más definitorios del concepto de vanguardia, pero la idea de vanguardia comporta una mayor complejidad. Para precisarla un poco más hay que examinar de qué modo ha evolucionado el uso del término en el terreno cultural. Vanguardia con relación al arte aparece por primera vez en el primer cuarto del siglo XIX, en textos de los socialistas utópicos. No se trataba de un grupo o de una tendencia artística en particular, sino que el arte se presentaba en general, como avanzadilla de los sectores fundamentales que tratan de transformar la sociedad: la ciencia y la industria. Esto introduce otro concepto de vanguardia: Vinculación con actitudes progresistas ( implicaba ansia transformadora de la sociedad ). A fines del XIX, el término vanguardia se utilizó en el vocabulario político y antes de la primera guerra mundial pasó a ser frecuente, en la crítica artística concretamente se aplicó al Cubismo y Futurismo. También hay en el concepto de vanguardia concomitancia con el vocabulario político, como el activismo, voluntad de ruptura, idea de revolución artística y, sobre todo la aparición de un documento literario como pieza clave en muchos movimientos de vanguardia “ El Manifiesto”.
DESARROLLO – CAUSAS
Para entender las razones por las que las vanguardias artísticas se desarrollaron, es necesario echar la vista atrás, al siglo XIX. Tres acontecimientos políticos, la constitución de la segunda y la tercera República Francesa (1848 y 1871) y la Primera Guerra Mundial (1914), provocaron una reacción intelectual en contra de la sociedad de la época. Empieza así el estereotipo de artista incomprendido, bohemio y comprometido con una serie de valores contrarios a todo ese mundo convulso que provocaba situaciones miserables y desafortunadas. A estos tres acontecimientos políticos, se debe añadir uno artístico de obligado nombramiento, el comienzo de los llamados Salones de París, unas muestras artísticas anuales de elevado prestigio que contaba con un jurado tradicional y conservador, y de donde fueron rechazados la mayoría de pintores impresionistas. Estos inauguraron, por iniciativa propia, los llamados Salón de los Rechazados con la intención de que su trabajo, aunque no fuera aceptado en la muestra principal, pudiera ser apreciado y valorado por el público. Quizá fue este el primer gran desencuentro entre el mundo artístico y el intelectual de la época, que no había hecho más que empezar.
A este precedente se debe añadir el panorama de principios del siglo siguiente, lleno de cambios y aportaciones significativas que modificaron ciertas ideas y modos de vida: la Segunda Revolución Industrial, con la aparición del motor de explosión, la publicación de la Teoría de la Relatividad de Albert Einstein y la Interpretación de los sueños de Sigmund Freud, la popularización de la fotografía, el nacimiento del Cine… anunciaban a voces que algo en el mundo estaba cambiando.
PRECEDENTES: Impresionismo (1874), Neoimpresionismo (1884) y Postimpresionismo (1910).
Aunque algunos historiadores dejan fuera de la clasificación de vanguardias al Impresionismo, fue el primer movimiento que se rebeló contra los gustos que imperaban en la época. En su caso, el Impresionismo no buscaba el rechazo del público, sino que se olvidaba de la acogida que pudiera tener su trabajo, en favor de una nueva manera de captar la realidad que tarde o temprano se acabaría reconociendo, como así fue. El precursor de este movimiento fue Eduard Manet. En su trabajo se puede apreciar el paso de la pintura tradicional al modo de hacer impresionista. Con el paso del tiempo Manet recurre a pincelada directa, con mucha carga, aunque nunca con tanta decisión como lo harían los siguientes autores impresionistas, todos ellos estudiosos, admiradores e influenciados por Manet. El grupo lo componía Degas, Renoir, Monet, Pizarro, Sisley y Cezanne.
Impresión, Sol naciente (Monet)
Tras unos comienzos dubitativos y llenos de pruebas, el Impresionismo como tal nace en una exposición celebrada en los salones del fotógrafo Nadar. Era una muestra en la que participaban un total de treinta y nueve pintores, conscientes ya de formar un grupo y de tener unos objetivos iguales que defender. En esta exposición se encontraba una obra de Monet llamada Impresión, Sol naciente que, burlonamente citada por un crítico dio nombre al grupo. Pone toda su atención en captar la realidad, el instante, la impresión. Es una pintura de aire libre, que se resuelve ante el motivo en cuestión. Dado que las condiciones lumínicas de los paisajes cambian a cada segundo, requiere una pincelada rápida y directa, que permita resolver una obra en pocos minutos. Es lo más parecido a la fotografía instantánea hecha pintura. Interesa esa luz del amanecer, el reflejo de la luz en un edificio en la caída del sol, la luz reflejada sobre el río a medio día.
Esa es la razón por la que las obras impresionistas dieron la sensación, a final del siglo XIX, de ser obras inacabadas, imperfectas, y por tanto, fueron despreciadas.
Acabada la época del desarrollo del Impresionismo, y gracias a las nuevas tecnologías de impresión (especialmente influyente fue la fotografía y el descubrimiento de la cuatricromía, que conseguía infinidad de colores con la mezcla de los colores primarios), surge el Neoimpresionismo o puntillismo, llevado a cabo fundamentalmente por dos autores, Georges Seurat y Paul Signac. Aprenden la lección impresionista y la aplican de un modo más científico, más controlado, mucho menos espontáneo y fresco. La pincelada se hace corta, racional y estudiada.
Trigal con cuervos. Vicent Van Gogh.
Fuera de estos dos movimientos quedan tres autores, de obligada mención, como son Vincent Van Gogh, Paul Gaugain y Henri de Toulouse-Lautrec.
Paul Gauguin, Nafea Faa Ipoipo? 1892, óleo, 101 x 77 cm
En el Moulin-Rouge, el baile. T. Lautrec. 1890.
Se les dio el término histórico-artístico de Postimpresionistas en una exposición celebrada en Londres en 1910, pues, aunque su trabajo no es en absoluto semejante, les une el hecho de haber comenzado su trabajo con el Impresionismo ya afianzado y comienzan su andadura pictórica con un nuevo modo de hacer, en los tres casos de manera muy personal e innovadora y de con una visión más subjetiva y manipulada del mundo. Van Gogh transforma la pincelada impresionista en una con más carga y muy ordenada, dando nuevas soluciones formales y cromáticas. Gaugain fue un artista que reivindicó lo bidimensional y lo decorativo. Su época en Taití, donde vivió los últimos años de su vida, es la más famosa. Ese destino brindó a Gaugain los paisajes y los colores que buscaba. Toulouse-Lautrec fue un gran ilustrador y se le considera el precursor del cartel publicitario.
1.- Fauvismo 1905 / 1907 El Fauvismo cuestiona el Arte como representación de la realidad, abogando por un arte subjetivo que expresa sentimientos por medio del color. Término acuñado por el crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar una exposición (fauve es el término francés para fiera), lo denomina así por su violencia cromática, por sus agresivos contrastes, tintas planas, simplicidad en el dibujo y su ausencia de claroscuro. Los historiadores lo consideran una reacción al Impresionismo. Si éste trataba de enfrentarse a la realidad por medio de la visión, el Fauvismo intenta pintar con la mente. Sus autores principales son Matisse, Derain, Dufy y Braque.
La costa azul, Derain 1905
2.- Cubismo 1907 / 1914. Cubismo es el nombre que se le dio al movimiento desarrollado principalmente por el español Pablo Picasso y Braque. Curiosamente fue también L. Vauxcelles el encargado de denominar al movimiento. Se caracteriza por destruir la óptica renacentista como único punto de vista. Es capaz de representar varios puntos de vista a la vez en una misma imagen, superando así a su rival representativo, la fotografía. Afirma la bidimensionalidad aunque sugiere cierta profundidad con un particular claroscuro. Niega la luz impresionista y los modula en tonos neutros y pardos, mediante el uso de la faceta (pequeños planos de color superpuestos) y la introducción en el Arte con mayúsculas de técnicas como el collage.
Guillete, Braque.
Retrato cubista realizado por P. R. Picasso.
“Si la ciencia tranquiliza, el arte perturba” George Braque.
Es un movimiento que no trata de captar la realidad presente ante el artista, sino que crea, a partir de la realidad, una imagen propia, nueva. Se basa en la anterior pero que no intenta parecerse a ella, sino aportar más información, incluso, que la propia realidad. Otros componentes de este movimiento fueron Juan Gris, Francis Picabia, Franz Leger y Albert Gleizes.
Bodegón de Juan Gris
Olga, retratro de Francis Picabia
Tres mujeres, Leger 1921-
Las señoritas d'Avignon, Pablo Ruiz Picasso, 1907
Bailarina española, Albert Gleizes
3.- Expresionismo 1905/1913. Estilo surgido en Alemania que trata de dar al espectador una visión de los sentimientos del artista. Forma, color y textura están al servicio de esa transmisión de los estados de ánimo del autor. Supone el inicio de la pintura abstracta en sentido estricto ya que se desvincula por fin del referente. Es una pintura subjetiva que deforma y exagera. Sus grandes influencias fueron autores consagrados como Goya, el Greco, y otros más recientes como el belga James Ensor y el noruego Edvard Munch.
Obras consideradas influyentes para el movimiento expresionista:
Saturno devorando a su hijo, 1820-23, Francisco de Goya. Óleo sobre lienzo, Museo Nacional del Prado, Madrid.
Anónimo, El entierro del señor de Orgaz (copia del Greco), hacia 1625. Óleo sobre lienzo, Museo Nacional del Prado, Madrid.
Obras de Ernst Kirchner
Naturaleza muerta, máscaras III, Emil NOLDE. Leer comentario
Nota menta: ¿no es recuerda esta pintura al norteamericano Baquiat? Ver
4.- Futurismo 1909/1914. El primer manifiesto futurista se publica el 20 de febrero 1909, en el periódico parisino “Le Figaro”, escrito por Filippo Marinetti, escritor italiano, que casi con un rigor dogmático no dudaba en afirmar que “un automóvil rugiente, es más bello que la Victoria de Samotracias”.
Con ello se exaltaba la modernidad, lo tecnológico, lo mecánico y rompe una lanza a favor de sus cualidades estéticas de estos objetos industriales infravalorados según esta vanguardia. Aunque el movimiento acaba pronto, en 1914 y 16 , tras la I Guerra Mundial algunos de sus componentes radicalizan sus posiciones y se relacionan ideológicamente con el fascismo italiano en las elecciones de 1919. Sus mayores exponentes fueron Humberto Boccioni, Gino Severino y Giacomo Balla.
Con el tiempo se produjo un redescubrimiento (cosa frecuente en la historia del arte), pues
además de profundizar en las cuestiones ideológicas y políticas, ponía de relieve aquellos
aspectos que hacían del futurismo un movimiento de vanguardia de extraordinaria resonancia en
su momento, influyendo en movimientos como El Dadaísmo, el Constructivismo ruso, el
Surrealismo y que, a largo plazo lo sitúan como punto de referencia, el arte de los años sesenta.
Muchacha corriendo en una galería (Giocomo Balla)
Otras vanguardias:
Dadaísmo 1915/1922. El más radical y agresivo de los -istmos de principios de siglo nació en Zürich (Suiza) obra de Tristan Tzara. Fue una vanguardia anarquista que se mostró rotundamente en contra de cualquier norma social, moral o estética. Contundente, destructor y provocador, basado en lo absurdo, lo elemental, lo casual y lo azaroso (la misma palabra dadá que designó el movimiento se escogió de modo arbitrario en un diccionario). Su objetivo principal era cuestionar unos criterios artísticos fuertemente afianzados y aceptados en la época. El ejemplo máximo de Dadá fue el artista francés Marcel Duchamp que, a través de los denominados ready-mades (objetos industriales sin valor, elevados a la categoría de obra de arte por el simple hecho de exponerlos en un museo bajo una firma y una fecha) trató de ridiculizar la veneración pasiva y poco crítica del público burgués. Gracias al movimiento dadaísta, el Arte abrió sus fronteras y aceptó otros modos de expresión artística, lo que fue su mayor aportación. Era el nacimiento de lo que hoy denominamos arte conceptual. Además de Duchamp, los componentes de este grupo fueron Hans Arp, Francis Picabia, M. Ernst y el fotógrafo Man Ray. Fuente (Marcel Duchamp)
Surrealismo 1924/1939. Comienza con un manifiesto escrito esta vez por el poeta André Breton. El término lo acuña el escritor G. Apollinaire. Se desarrolla, como se puede deducir por las fechas, en un periodo inestable de entreguerras en el que los intelectuales tratan de comprender la profundidad psíquica del hombre, los sueños, lo inconsciente. Los escritos y teorías del psicoanálisis de Sigmun Freud aportó base científica e ideológica, y las obras de Füsli y Blake la influencia artística. Podemos hablar de dos tipos de Surrealismo pictórico y dos grandes grupos de pintores surrealistas. Por un lado, los pertenecientes al Surrealismo figurativo, entre los que se encontraban Max Ernst, René Magritte, Dalí y Chagall, quienes exploraron el surrealismo desde una óptica de realismo formal, pues, a pesar de sus deformidades y transformaciones, nunca abandonaron la referencia real de los objetos. Por otro lado, el Surrealismo abstracto contaba con Yves Tanguy, Miró, Klee y Hans Arp. Parte fundamental esta tendencia fue la escultura. Giacometti, Henry Moore, Alex Calder, M. Ernst y Man Ray. Antes del nacimiento (Hans Arp)
Suprematismo 1915/1919. Vanguardia de origen ruso que comienza con el manifiesto de Casimir Malevitch. Busca la sensibilidad pura del arte a través de un lenguaje plástico nuevo, sin referencias figurativas ni influencias artísticas previas. Evita cualquier referencia de imitación a la naturaleza recurriendo a módulos geométricos de formas puras y perfectas de color austero, en especial el uso del blanco y el negro con algún color poco saturado. Al ser obras de pocos elementos, y además geométricos, tendrá mucha importancia la composición y distribución de éstos en las obras. Construcción suprematistica (Kazimir Malevit)
Constructivismo 1913/1920. Esta nueva vanguardia comparte origen y fechas con la anterior, por lo que su desarrollo es paralelo y ambas se vigilarán de reojo en su evolución. El constructivismo, con alta carga política e ideológica propia de la revolución rusa, pretende la unión entre las artes, pintura, escultura y arquitectura, por lo que comparte objetivo con una del las escuelas más famosas de la Historia del Arte, la Bauhaus. Este hecho no es casual, pues varios constructivistas fueron profesores o impartieron seminarios en algún momento en dicha escuela alemana. Sus autores principales fueron Vladimir Tatlin, El Lissitzky, Antón Pevsner y Naum Gabo. Prueba de lo completo de este movimiento es su manifestación cinéfila obra de Eisenstein, quien tiene en la cinta de “El acorazado Potemkin” un gran ejemplo. Monumento a la III Internacional (Vladimir Tatlin)
Neoplasticismo. De origen holandés, el grupo que lo desarrolló recibió el nombre de “De Stijl” (el estilo) debido al nombre de la revista en la que trabajaban sus componentes y en la que publicaban sus escritos. Fue una prolongación de los valores estéticos el constructivismo, aunque sin su ideología y compromiso político. Demostraron su intento por aunar disciplinas en proyectos completos. Diseñaban el edificio y el interiorismo (muebles, colores de las paredes, colocación de los mismos…) en un mismo proyecto porque entendían que no eran conceptos distintos. Con ánimo de huir de las referencias naturales recurrieron a las formas geométricas puras y a los colores saturados, especialmente los primarios y el negro para dar contraste. Sus principales componentes fueron Theo van Doesburg, y Piet Mondrian. Cuadro nª 2 – composición (Piet Mondrian)
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