El claroscuro o clave baja en foto y en dibujo a lápiz

 

¿Observas diferencias entre estas dos imágenes fotográficas?

Foto: Yogendra Singh en Unsplash          Foto: Isaac Taylor en Pexels

Los fotógrafos creativos constantemente están tratando de mejorar su técnica y buscan nuevos recursos para hacer fotos cada vez más interesantes. ¿Haz intentado hacer fotos en claroscuro? Aquí te dejamos algunas ideas para que conozcas sus bases –provenientes de la pintura– y te animes a hacer tus propias creaciones en clave baja.

Imagen: Emiliano Vittoriosi en Unsplash

Antecedentes en pintura

Tanto en la fotografía como en la pintura (arte de donde proviene el término), el claroscuro es una técnica que consiste en iluminar solo una parte de la obra, dejando el resto en oscuridad, ya sea parcial o completa.

Esta técnica fue utilizada en la antigua Grecia por Apolodoro, creador y promotor de la esquiografía, técnica que consistía en crear fuertes contrastes entre la luz y la oscuridad para lograr la sensación de volumen. Con este método, además, lograba mayor dramatismo en las imágenes, y también podía guiar la atención del espectador hacia las zonas más iluminadas.

Siglos después, los pintores flamencos e italianos del siglo XV fueron los primeros en rescatar la esquiografía del olvido y aplicarla a sus pinturas para lograr una mayor tridimensionalidad y realismo. Leonardo Da Vinci y Rafael son considerados pioneros en el uso del claroscuro para dar volumen al cuerpo humano en sus pinturas.

Imagen: La Virgen de las rocas, de Leonardo, pintada en el verano de 1482 por encargo de la Cofradía della Concezione de Milán. Actualmente se conserva en la Galería Nacional de Londres.

Pero el término claroscuro es más comúnmente usado para referirnos a la pintura de Caravaggio, ya en pleno Barroco. En sus obras, el claroscuro no tiene solamente la función de dar volumen, sino de crear significado y aportar emoción. Así, en manos de Caravaggio, algunos comenzaron a denominar este estilo “tenebrismo”.

La vocación de San Mateo, por Caravaggio, puede apreciarse en la iglesia de San Luis de los Franceses, en Roma.

Como era de esperarse, este estilo saltó a la fotografía por su expresividad y atractivo visual, donde se le conoce como clave baja. Con un sencillo pero buen manejo técnico se pueden lograr resultados muy interesantes. Se trata de mostrar el contraste prominente de luz y sombra.

Leer la luz

El éxito de toda fotografía depende de la luz. Una habilidad muy útil que debes adquirir con el tiempo es la capacidad para analizar la luz, su incidencia y los efectos en las fotografías. Empieza conociendo los tipos de luz que hay:

• Luz dura: Crea sombras muy oscuras y contrastadas. En la foto tendrás una zona muy iluminada y otra muy oscura. Se usa cuando quieres fotografías contrastadas de paisajes urbanos o naturales.
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  También se puede ser creativo y sacarle partido de la luz dura y a las sombras que genera.

  • Luz suave: Es un tipo de iluminación difusa que prácticamente no crea sombras. No hay diferencia entre la zona de luz y sombra. Se puede utilizar para hacer retratos.

  El tipo de luz está relacionado con el tamaño de la fuente de luz más que con la intensidad. Así que un flash de mano generará sombras marcadas que desaparecerán si tu fuente de luz es un ventanal con luz de día.

Ejemplo imagen con luz suave o difusa

La luz suave favorece a las modelos: sus rasgos se ven difusos.

Otra variable a considerar para generar un buen claroscuro es la dirección de la luz, que se determina con relación a la ubicación de la fuente de luz y el objeto a fotografiar:

• Frontal: La fuente lumínica se sitúa frente al modelo/objeto a fotografiar y por detrás de la cámara del fotógrafo. Con esta luz se distinguen bien todos los elementos de la foto, pero a la vez los aplana o les resta la ilusión de profundidad.

• Lateral: La luz proviene de costado en relación al objeto y a la cámara. Enfatiza las texturas de los elementos de la fotografía.

• Cenital: La luz baña desde arriba al objeto o persona a fotografiar, así como a la cámara, lo que produce sombras muy oscuras y profundas. Esta luz no es recomendable para retratos si deseas evitar que los rasgos del modelo luzcan duros o grotescos: te generará ojeras exageradas, sombras bajo la nariz y marcará los huesos y ángulos del rostro.

• Puntual: Cuando la fuente de luz ilumina específicamente una parte de la escena o del sujeto. Ayuda a determinar el punto de atención en la imagen y crea un fuerte contraste. Este es precisamente el tipo de iluminación que ocuparemos para realizar fotografías en claroscuro o clave baja.

• Trasera: También conocida como luz de back, se trata de la luz que surge detrás del modelo u objeto. Con este tipo de iluminación puedes crear interesantes contraluces.

Materia prima

Para poder hacer fotos en clave baja, lo primero es conocer los elementos que las componen y a partir de ellos hacer tus creaciones:

1. Zona clara: Es el área en la que inciden directamente los rayos de luz.
2. Zona oscura: Se le conoce también como “sombra” y es el área que no recibe ningún rayo de luz, por lo que permanece oscura.
3. Área de Penumbra: También es conocida como “Tono medio opaco”. Se trata del área entre la zona clara y la zona oscura. En ella se expresan una amplia gama de grises.
4. Área proyectada: Es el espacio de la fotografía donde se distingue la sombra de un objeto sobre otro.

Estilo "barroco" llevado a foto, gran contraste lumínico

Este estilo es muy recomendable para hacer retratos porque las luces y sombras están bien definidas. Esta técnica surgió de la pintura barroca de Rembrandt para hacerse un lugar en los retratos fotográficos.

Para conseguir este tipo de iluminación necesitas una fuente de luz suave a 45º del modelo y por encima de sus ojos.  

Ejemplo de luz puntual más suave, 

Lo que se necesita es una cantidad mínima de luz dirigida puntualmente hacia donde quieras iluminar. Esta imagen recuerda a las atmósferas interiores generadas en pintura por Hopper. No hacen falta muchas fuentes de iluminación: lo más importante es que estén bien dirigidas. 

Grandes fotógrafos

Para concluir vamos a recalar en el trabajo de tres exponentes del claroscuro en la fotografía.

W. Eugene Smith (1918-1978)

Fotorreportero estadounidense, trabajaba para la revistas Life, Newsweek y Harper’s Bazaar, así como para el periódico The New York Times y para la agencia Magnum. Participó como fotoperiodista en el Frente del Pacífico durante la Segunda Guerra Mundial.

El velorio de Juan Lara en una villa española, 1950. Foto: © W. Eugene Smith.

Para ampliar: Ver enlace

Bob Borowicz (1922-2009)

Fotógrafo autodidacta nacido en Polonia. A los 29 años huyó a Santiago de Chile para escapar de los campos de concentración. En esa ciudad se quedó hasta sus últimos días: enseñó foto y dirigió su propia academia de fotografía. Llegó a ser conocido como “El fotógrafo del claroscuro”. Su estilo y sello eran su capacidad para captar el momento fugaz.

  Flor Garduño (1957)

Fotógrafa mexicana que utiliza siempre luz natural, una marcada escala de grises que en muchas de sus fotos llegan al claroscuro y temática onírica. Estudió en la Academia de San Carlos y también con Manuel Álvarez Bravo. En 1985, el pintor oaxaqueño Francisco Toledo la apoyó para publicar su primer libro, Magia del juego eterno, con fotografías que fueron expuestas en París. A partir de ese momento publica diversos libros, como la trilogía: Bestiarium, Fantastic Women y Silent Natures. Además ha exhibido y ganado premios en Chile, Colombia, Estados Unidos, Italia, Suiza, Holanda e Inglaterra.

Otros temas para ampliar: 

Temperatura de la luz y tipos de iluminación